瓦格纳四联剧《尼伯龙根的指环》是音乐史、歌剧史和戏剧史中堪称空前绝后的伟大杰作。
2010年，德国科隆歌剧院曾在上海大剧院[微博]连续两轮献演此剧，盛况空前。10月上海国际艺术节期间，上交音乐厅也要开演一版长达16小时的《指环》——奥地利蒂罗尔音乐节“24小时音乐会版”。120余人交响乐队、80人合唱团、39名独唱演员，24小时兼程上演，无论对台上团队，还是台下观众，都是一种巨大考验。
日前，上海音乐学院副院长杨燕迪做客上交音乐厅，从歌剧的基本问题入手，细数这部巨制的音乐创意。不了解此剧的观众，不妨看看这篇讲座整理，提前做好观演功课。
杨燕迪 主讲
早报记者 廖阳 整理
瓦格纳是音乐史乃至欧洲文艺史上的一个巨人，他的一生都充满了戏剧性。他的创作大致可分两个时期。1850年以前，他还是按传统手法写浪漫主义歌剧，诸如《漂泊的荷兰人》（1841）、《唐豪瑟》（1845）。之后，他开始创作乐剧，包括《指环》，以及《指环》创作空隙写就的《特里斯坦与伊索尔德》（1859），最后以《帕西法尔》（1882）绝笔。
创作时，瓦格纳不满于传统歌剧的现状，要发展“综合艺术”。他认为自己的戏剧包容了所有艺术类型，称之为“乐剧”——音乐戏剧，以区别于传统歌剧。
他也是罕见的全才，将历史、哲学、神话、器乐、人声表演、造型艺术融为一体，自己写脚本、作曲、训练歌手、指挥乐队，最后在拜罗伊特造了座剧院。因而每个细节，他都能控制。 此外，他的乐剧有个特点，除了《纽伦堡的名歌手》，其他全是神话题材。在瓦格纳看来，只有植根于民族内在精神的神话，才能表达这个民族最深刻的命题。
这部《指环》最为全面地代表了瓦格纳的创作追求和审美理想。
他以神界（诸神）、人界（巨人、英雄、凡人）、地界（侏儒）三界围绕指环展开争夺为主线，用象征性的笔法揭示了契约与背叛、权力与爱情、生存与毁灭等诸多问题，近百年来引发了各种诠释和制作。
具体故事为：侏儒阿尔伯里希打造出一个代表无限权力与财富的指环，众神之王沃坦将其夺走遭到毒咒。他将指环送给巨人兄弟，兄弟发生争执，弟弟死于哥哥之手。毒咒应验，沃坦便潜入人间生下孩子，希望通过凡人之手夺回指环。而沃坦女儿与英雄齐格弗里德相爱，后者杀了巨人哥哥，取得指环却最终也惨死。沃坦女儿最后将指环扔进莱茵河，投身烈火，整个神界在火海中覆灭。
这部规模庞大的乐剧，是瓦格纳毕生呕心沥血之作。整个创作自1848年开始，1874年结束，前后长达26年。全剧吸收了中世纪德国叙事诗《尼伯龙杯的指环》、民间传说《沃尔松传奇》、北欧古代民歌《艾达》等有关素材，亦受古希腊悲剧影响。
写作过程中，瓦格纳常困顿于太多的神话故事，但四剧最终从头到尾非常统一。
上百个主导动机使《指环》结构有效统一
此剧有几个音乐特点，首先就是“主导动机”。
“主导动机”作为具有丰富象征和发展潜能的材料，不仅指代人物、感情、意念或物体，而且会根据不同的戏剧情境裂变、组合、变奏和转型。
比如，剧中“剑”的主导动机是一个大三和弦，非常亮丽；“指环”的主导动机是半个减七和弦，像个小半圆，听上去阴森森的，很不祥。《指环》中，这些处于中心地位的主导动机贯穿始终，既推动了剧情发展，又起到了整合结构的作用，成为瓦格纳乐剧风格中的核心因素。德国当时没有电影，瓦格纳完全是靠音乐捕捉，来表现情境。
再比如“矛”的动机，它是“契约”的象征，每次说到沃坦要遵守诺言，乐队就会用铜管吹奏这个动机。
整部《指环》有上百个动机，它们贯穿全剧，使整个结构得到有效统一。
所以，要了解瓦格纳乐剧，首先要了解主导动机用法。这些主导动机有两个特点。一是他特别善于用一个明确的音乐造型，来抓住某种人物或情境，造型感特别强。再就是灵活性。瓦格纳运用主导动机的能力非常强，各种变化，一个动机会不断发展，甚至与其他动机联接、纠缠，是系统性和灵活性高度统一的产物。
人声与乐队关系复杂
乐队的作用也在瓦格纳乐剧中得到空前提高，成为戏剧叙述和内涵表达的中心要素，其地位=有时甚至超越人声，成为戏剧主角。
它绝不是人声的伴奏，也不是陪衬，而是与之对位。所以唱瓦格纳很难，歌者从乐队中往往得不到明确支持，乐队与歌者完全相对。如果说人声旋律和歌词表达了戏剧外在的具体情境和内容，乐队的无言音乐，则往往刻画了戏剧内在的隐秘内涵和意味。也就是说，乐队会渲染甚至升华歌词的寓意。
瓦格纳乐剧中的人声风格往往是宣叙性的，但也不排斥如歌的旋律。这样人声和乐队就形成了两种关系：一是对位性的对比，人声和乐队完全是两回事；再就是人声作为一个声部，参与到乐队的交织中。这种做法是瓦格纳的全新概念，与意大利歌剧中乐队只是伴奏和陪衬，截然相反。瓦格纳的旋律风格灵活、多变，人称“散文风格”。
所以，听瓦格纳，你要把一半注意力放在乐队上。他自己也说，歌词唱的是显在的层面，乐队奏的是内心的东西，两者关系非常复杂。
没有瓦格纳 就没有斯特劳斯
在瓦格纳手中，最重要的人物是谁？是看不见的乐队。舞台上的人物不知道自己的前世今生，但乐队全知全能，就像上帝。他极大地扩展了乐队的表现力，某种意义以上，他达到了乐队写作的最高境界。
听《指环》时，你会发现理查·斯特劳斯太像他了，他是乐队艺术的另一个高峰，但没有瓦格纳，绝没有斯特劳斯。柏辽兹、瓦格纳、斯特劳斯、拉威尔写乐队都好，还是瓦格纳最伟大。因为他写的是歌剧，歌剧有各类情境要求乐队来展现，而他在每一个挑战面前，从没有败过。
首先，瓦格纳开始使用庞大的四管制乐队编制。一般乐队使用两个竖琴就了不起了，他用六个，还有八个圆号，编制巨大。
另外，他还发明了一些新乐器，比如瓦格纳大号。他不仅造乐器，其配器手法也会根据剧情需要变化多端，从震耳欲聋到细致入微，效果之瑰丽，手法之新颖，“魔法师”的称号并非浪得虚名。再就是，他喜欢把弦乐细分成各种组，很难拉，简直像独奏，每位乐手都要发挥；其乐队的特殊色彩还在于铜管，比如众神之王沃坦的深沉心理状态，就要用到油画般厚重的铜管；木管的色彩和抒情性，也充分得到了发挥……
《齐格弗里德》是《指环》中最铿锵有力的一部，因为是写英雄齐格弗里德，非常男性化。齐氏是一个极其难唱的男高音，歌者要在台上呆整整四个小时，唱得精疲力竭，还要一路唱到最高潮。简直是噩梦。
瓦格纳纯粹用乐队手法，来描写这个苏醒过程。苏醒在日常生活中也就一两分钟，他将之延长到8至10分钟。布伦希尔德欢呼太阳、欢呼白昼、欢呼光，瓦格纳就用竖琴、木管、高弦乐，让人感觉到光感。苏醒后，布伦希尔德感觉阳光刺眼，此间微妙的细节变化，亦被音乐描摹了出来。
这是最伟大的一次苏醒，靠这个片段，瓦格纳便可永垂不朽。
看歌剧不只是看故事，关键是看音乐怎么处理这个故事。可以说，《指环》是前无古人，基本上后无来者的鸿篇巨制。流传至今一百多年，它不断上演，尽管有冗长和乏味的片段，但无数的精彩片段和总体的艺术质量，保证了它的持续成功。
此剧也对观众的智力、忍耐力提出了严峻挑战，因为时间尺度被成倍放大。如一个苏醒之吻瓦格纳可以写10分钟，所有琐事都被他放大，剧情进展非常慢。所以也有很多人诟病瓦格纳把什么事都放大了。
由于音乐内涵复杂深刻，观众还要长时间高度集中注意力，挑战大如登“珠峰”。但如果你克服了挑战，享受和收益会源源不绝。
（文章来源：东方早报）
举报成功