在《有歌2026》光鲜的舞台与流量喧嚣之下，节目对话题炒作的沉迷、音乐创作本源的忽视，以及价值定位的自我矛盾，正将其推离“以音乐为核心”的航道。
一、流量逻辑至上：音乐沦为话题的附庸
节目将“冲突制造”作为核心叙事手段，刻意挑选自带争议的网红歌手（如抖音粉丝近1800万的白小白）与“毒舌”乐评人（如梁源）同台，通过剪辑放大观点对立，使评委互动沦为社交媒体定制的“观点表演”。这种设计虽短期收割热度，却挤压了音乐本身的展示空间。例如第二期因乐评人与歌手激烈互掐登上热搜，导致谭维维与白小白合作的《丛林法则》等高质量舞台被舆论淹没，音乐价值让位于话题博弈。
二、创作空心化：原创口号下的保守与投机
尽管标榜“推动原创”，节目选曲仍高度依赖怀旧热歌与网络流量曲目：
- 经典透支：频繁启用彩铃时代金曲（如《求佛》《秋天不回来》），借情怀引流却缺乏创新改编，仅以“原声重现”作为卖点；
- 原创乏力：新声歌手作品多集中于“预加载”式套路化创作（如短视频平台流行的芭乐、合成器流行），编曲虽精致却难掩旋律同质化问题。耳帝曾指出，节目回避独立、先锋等多元风格，将“主流流行”作为安全牌，导致音乐表达单一；
- 合作浅层化：助阵嘉宾侧重话题性（如岳云鹏跨界唱歌），而非创作能力。排练环节仅聚焦演唱技巧调整，未能深入创作内核，最终舞台沦为“翻唱表演”。
三、价值定位分裂：商业诉求与艺术追求的失衡
节目陷入“左右互搏”的尴尬境地：
- 矛盾议题：一面邀请彩铃歌手、网红引流，一面设置“为何高流量无代表作”等伪命题讨论，既消费其价值又质疑其正当性，暴露对音乐产业认知的错位；
- 形式大于内容：全息投影、AI编曲等技术手段喧宾夺主（如用全息重现香港回归场景配合《东方之珠》），舞美设计掩盖作品深度不足。正如乐评人赵南坊所言：“过度强调形式对冲内容，音乐终成规则附属品”；
- 社会责任缺失：以“推新人打歌”为名，却未构建长效作品孵化机制，后续资源支持缺位，新人曝光止步于综艺瞬间。
四、行业对照：保守路径的自我禁锢
相比同期音综探索，《有歌2026》的滞后性尤为突出：
- 模式僵化：沿用“话题歌手+情怀嘉宾+冲突评委”的陈旧三角结构，与江苏卫视《音乐缘计划2》的原创作品孵化、北京卫视《一起开麦吧》“盲听赛制”聚焦声音本质的创新形成鲜明对比；
- 战略短视：依赖“流量变现”与“冲突经济学”，忽视大众已通过算法推送自主发现音乐的现实，未能建立音综不可替代的审美引领价值。
结语：回归本质的破局之道
真正的音乐综艺，应在流量与艺术的平衡中找回初心：减少对冲突剧本的依赖，深耕作品创作过程（如展现编曲思路、词曲打磨）；打破怀旧与创新的割裂，以现代视角重构经典；明确“音乐价值优先”的评选标准，让技术服务于情感表达。唯有如此，音综方能从“话题派对”蜕变为“时代金曲”的摇篮。
（全文约1000字）
